Notas al programa:

Händel, aria para tenor “Confort ye my people / Ev’ry valley shall be exalted”, de El Mesías

Ninguna otra obra de Händel es más emblemática que El Mesías. Fue algo así como un producto de inspiración divina porque, según se dice, no descansó hasta acabarlo, en apenas 21 días, sin casi dormir ni comer, como una verdadera proeza de la composición. Se estrenó en Dublín en 1742. Escrita en forma de oratorio, alterna arias y coros en tres grandes partes. 

Lo primero que suena después de la Obertura es precisamente “Confort ye my people” (Confortad a mi pueblo), un breve recitativo acompagnato, al cual le sigue el aria “Ev’ry valley shal be exalted” (Todo valle deberá estar emocionado). Es sin duda un abrebocas magnífico que muestra cómo será la obra en su carácter y lenguaje musical. Por supuesto no deja de lado las exigencias vocales para el cantante, muy bien recibidas siempre, más que todo en la agilidad de las coloraturas. Esa combinación, recitativo y aria, es un binomio inseparable y aparece tanto en la ópera como en el oratorio hasta el siglo 

Mozart, Aria “Dalla sua pace” de la ópera Don Giovanni

Don Giovanni es una de las óperas más maduras de Mozart. Fue escrita en 1787 y estrenada en el mismo año en Praga. Está basada en El burlador de Sevilla y El convidado de piedra de Tirso de Molina y trata sobre las andanzas de Don Juan, un conocido mujeriego y aventurero. El aria que se escuchará hoy, “Dalla sua pace”, es del personaje Don Ottavio, el prometido de Donna Anna, a quien Don Giovanni tiene en la mira durante toda la trama y es víctima de los encantos del incorregible seductor.

Mozart, Aria “A te, fra tanti affani” de la cantata Davidde penitente, K 469

Esta singular obra religiosa de Mozart le fue encargada por la sociedad musical Tonkünstler Sozietät y se estrenó en 1785 en el Burgtheater de Viena. Curiosamente, a pesar de su corte claramente religioso, entra en la categoría de las obras masónicas, logia a la cual perteneció Mozart desde 1784. Está estructurada como un pequeño oratorio, en diez partes, e incluye coros, arias, duetos y un terceto. Está basada en el Libro de Samuel del Antiguo testamento. El aria que oiremos hoy es una buena muestra de la versatilidad de Mozart, que la incluyó a posteriori sin afectar para nada el sentido de unidad de la obra, tal y como lo hacía muchas veces en sus óperas.

Casadesus (Händel), Concierto para viola en si menor

Henri-Gustave Casadesus fue una figura muy particular en el ámbito del redescubrimiento de la música antigua, una tendencia que fue asentándose con firmeza en el s. XX. Junto con Saint-Saëns fundó la Sociedad de instrumentos antiguos y propició su práctica. Fue violista y director, y compuso varias obras en estilo de compositores anteriores, como rindiendo tributo al espíritu de la música antigua. En este caso, el Concierto para viola parecería atribuido a Händel y su lenguaje se asemeja al compositor de referencia, aunque el tratamiento de los instrumentos y la orquestación difiere notoriamente del Händel que conocemos.

Es decir, no es una imitación sino más bien una emulación, un homenaje al nombre de Händel. Está distribuido en tres movimientos, como es usual en el género desde el barroco, rápido-lento-rápido, en los que le da a la viola una tarea preponderante y virtuosa, entendiendo que él mismo era violista y obviamente conocía todas las posibilidades de este instrumento. Aunque no es un concierto muy conocido en el mar de las composiciones dedicadas específicamente a instrumentos, sí tiene un lugar importante en la literatura dedicada a la viola y es obra de consideración en el trasegar de todo violista en su formación como solista.

Bizet, “Habanera” de la ópera Carmen

Carmen es la ópera más tocada en el mundo y sin duda una de las más populares. Su trama, al igual que el ambiente español en que se desarrolla, alejado y un poco exótico para la Europa central, representaron un atractivo especial. Bizet organizó su estreno en en la Opéra Comique de París, que sucedió en marzo de 1875, pero quizás fue un error, porque no fue para nada exitoso. En realidad la ópera no tiene nada de cómico, porque alberga una trama que va mejor con lo dramático y, según los expertos, influyó en la corriente posterior del verismo italiano. Bizet murió prematuramente en junio de ese año y no supo del éxito que sería después su ópera. Fue producida en Viena en octubre de ese año y todo le fue favorable, por lo que comenzó su escalada de éxitos que se extienden hasta hoy. 

Las arias de esta ópera son todas famosas y dignas de estudio entre los cantantes. Y sobresale la Habanera, que canta la Carmen gitana, encarnada por una mezzosoprano, en la que canta al amor rebelde, fortuito, caprichoso y libre. Aunque lleva breves intervenciones del coro en la ópera, integrado por sus compinches, en esta versión concertante se deja a la Orquesta con el papel de ilustrar musicalmente su presencia.

Saint-Saëns, aria “Mon coeur s’ouvre a ta voix” de la ópera Sanson y Dalila, op. 47

Sansón y Dalila se basa en la historia bíblica del Antiguo Testamento y es quizás la ópera de Saint-Saéns por excelencia, pues es la única que se encuentra en la programación de las casas de ópera  con regularidad. Se estrenó en 1877, curiosamente en Weimar, y en alemán, propiciado por Liszt, buen amigo de Saint-Saëns y quien había sido director musical en aquella ciudad. Básicamente se debió a que el tema bíblico dispuesto en escena no era del agrado de los franceses y tuvo tanta resistencia hasta el punto de no dejar que el proyecto se realizara.  Sólo hasta 1890 lograron zanjarse las reticencias allí y finalmente logró tocarse en suelo francés.

 Saint-Saëns era un compositor que reconoció su actualidad e hizo gala del romanticismo que rodeó su época. Sin excesos, su música capta perfectamente la tendencia con claridad, como en esta ópera de amor, engaño y tragedia. La dulzura de Dalila en esta aria, que enamora a Sansón, “Mi corazón se abre a tu voz”, es perfecta para corroborarlo. Junto con “Printemps qui commence”, otra de las arias de esta ópera, el aria de Dalila que oiremos hoy se ha convertido en un elemento importante dentro del repertorio de toda mezzosoprano y muy frecuentemente se incluye en recitales de forma concertante.

Verdi, aria “Stride la vampa”, de la ópera El trovador

Verdi es el compositor operático por excelencia. Su reconocimiento es mundial como genio de este género y todas sus óperas gozan de muy alta reputación y son tocadas permanentemente en todos los teatros de ópera. La traviata, Rigoletto, Aída, Nabucco, El trovador, Don Carlos y tantas más nos suenan familiares y es porque sus nombres están en el ambiente. Por supuesto, en Italia, hay un verdadero culto hacia la figura de Verdi. Hasta su retrato estuvo impreso en los billetes italianos, las liras de no hace mucho tiempo. Un verdadero héroe nacional.

Il trovatore fue estrenada en 1853 y, junto con La traviata y Rigoletto, hace parte de la trilogía que representa la columna vertebral de la medianía de su carrera, redundando en un éxito arrollador. Todas sus arias fueron populares casi de inmediato y era común oír a la gente canturrearlas por la calle. Stride la vampa (Rugen las llamas) es un aria que canta Azucena (mezzosoprano), una gitana que busca venganza por la muerte de su madre, sucedida muchos años antes. Canta con ella su ánimo resentido y deja entrever su malévola intención. Una de las tantas arias de las óperas de Verdi que son aclamadas en todo el mundo y mantienen su popularidad en primera línea.

Brahms, Variaciones sobre un tema de Haydn, op 56ª

Esta gran obra fue compuesta en dos versiones, primero para dos pianos y posteriormente para orquesta sinfónica. Su estreno estuvo a cargo de la Filarmónica de Viena bajo la dirección del mismo Brahms y tuvo una enorme aceptación. Aunque en su título aparece Joseph Haydn como autor del tema en que se basa la composición (Coral de St. Antoni), hoy en día se pone en duda la veracidad de este origen. De todas formas, al menos el tema, con las irregularidades métricas que tiene (agrupación irregular de compases), bien podría haber provenido de la pluma de Haydn, pues sus ideas tienen esa característica casi siempre.

Variar una idea musical es uno de los recursos de construcción musical más antiguos. Claro, a través de los tiempos este concepto evolucionó ampliándose y enriqueciéndose, y Brahms con su meticulosidad recoge prácticamente todas las maneras de variar acumuladas hasta ese momento, dándole un gran sentido creativo y unidad a la obra. Al principio, simplemente se aumentaba el número de notas a la idea del tema, guardando prácticamente incólume la esencia del tema en armonía y estructura; a veces eran corcheas, otras tresillos, semicorcheas, etc., que proveen de mayor movimiento al discurso, por ejemplo en el Barroco. Pero si de variar se trata, pues entran en juego otros elementos de construcción que no se contemplaban inicialmente, porque en principio se puede variar todo menos algo que aún permita identificar la base, es decir, el tema, o su esencia. Métrica, tempo, carácter, armonía, timbre, forma y aún más, son elementos que están sujetos a variarse en manos de Brahms. Así, cada una de sus variaciones plantea posibilidades y variantes muy diferentes, hasta el punto que a veces es difícil encontrar un vínculo con el tema de base. El carácter de cada una de ellas es siempre contrastaste, entre lo triunfal, lo lírico, lo melancólico, lo sórdido, lo severo, lo alegre, lo simple, etc. El común denominador, sin embargo, es la estructura que conserva en todas. El tema está estructurado en forma simple de Lied, en dos secciones, cada una de las cuales se repite. Aún así, Brahms se vale del concepto de la Durchkomposition (composición ininterrumpida), que estaba siendo usada en el romanticismo para permitir una mayor fluidez en la forma de las composiciones, en algunas de sus variaciones y, en vez de repetir las partes tal cual son, reescribe las segundas partes con cambios en la instrumentación y algunas veces hasta en el carácter mismo. Otra espléndida innovación de Brahms.

Para la conclusión de la obra dispone un Finale en forma de Pasacaglia, un género barroco que también hace parte de la historia de la idea de variar (p.e. Canon de Pachelbel). Consiste en una base en la línea grave, sobre la cual se mencionan nuevas y diferentes melodías en carácter y movimiento. En este caso, la melodía del bajo es la misma que tiene el bajo del tema inicial, el de base. Para ir variando los elementos que compone sobre este bajo, Brahms lo menciona trece veces, cambiando en el transcurso prácticamente todos los componentes que lo acompañan de manera notoriamente drástica, desde la forma misma hasta la armonía; con un gran despliegue de versatilidad tímbrica e increíble imaginación nos pasea por los más diferentes caracteres y ánimos sensibles de la música. Finaliza con la mención del tema inicial a cargo de toda la orquesta, que lo menciona de manera grandilocuente y triunfal, y le otorga a la obra un cierre espléndido y monumental.

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