Notas al programa:

Cherubini, obertura de la ópera ‘L’Hôtellerie portugaise’

Esta ópera cómica en un acto, escrita en francés, se estrenó en 1798 en París en un momento de gran apogeo operático. Por esa época, aún temprana para su vida de éxitos y reconocimientos, Cherubini andaba en la búsqueda de recursos musicales en sus composiciones y trataba de lograr sonoridades grandes y de gran impacto. Así oiremos esta obertura que, en su transcurrir, deja entrever lo que será el Cherubini a quien Beethoven calificara en 1817 como el compositor vivo más grande, eso sí, aparte de él, claro, como era de esperarse dada su descarada modestia.

Händel, aria de Cornelia, “Priva son d’ogni conforto” de la ópera Julio César en Egipto

En las óperas del Barroco, acordémonos de la ornamentación voluptuosa de la arquitectura, la temática que eligen los compositores es épica, histórica y ambiciosa, por lo que el tema de Julio César es perfecto. Fue estrenada en 1724 en Londres, con mucha aceptación. Hándel tiene la virtud de ser un gran escritor para los cantantes y por eso sus arias, en general, constituyen material obligado de estudio, a pesar de que la época posterior de la ópera romántica se haya opacado el estilo barroco. Este es un buen ejemplo, porque la sencillez y la dulce melodiosidad de esta aria dejan una gran satisfacción tanto en el cantante como en el oyente.

Gluck, aria de Orfeo, “Che faró senza Euridice”, de la ópera ‘Orfeo ed Euridice’

Uno de los transformadores de la ópera, precisamente para iniciar la escalada hacia otro nivel más ambicioso y trascendental, fue Gluck, siempre preocupado por el transcurrir de una trama fluida y sin interrupciones y una sencillez musical que no restara atención a ella. Orfeo ed Euridice se estrenó en el Burgtheater de Viena en 1762 y fue su primera ópera con las reformas buscadas. Hoy en día su Orfeo es como su signo distintivo, pues no hay otra ópera suya más popular. Y de ella, ésta, la bellísima aria que oiremos hoy.

Bizet, Seguidilla de la ópera Carmen

Esta ópera es hoy en día la ópera más tocada en el mundo. Su aire español despertó un gran interés por lo poco que se sabía de la cultura española en aquella época y que a las luces de la Europa central era verdaderamente exótica. Sin embargo a la ópera no le fue nada bien al comienzo. El estreno en el teatro de la Opéra comique (1875) estuvo marcado por las malas críticas y el público apenas apareció en las demás funciones. Siendo su naturaleza más bien dramática, sin duda la elección del teatro no fue acertada. Bizet murió en junio del mismo año, sin saber del éxito mundial que tendría su ópera posteriormente, porque en octubre fue llevada a Viena, donde tuvo una gran acogida y la catapultó hacia la gran popularidad que ha gozado desde entonces. Sus arias son todas muy conocidas y cantadas, y esta que oiremos hoy, la Seguidilla, no se queda atrás. Y es que siempre resulta reconfortante oír, aunque sea apenas un abrebocas, algo de esa maravillosa Carmen.

Rossini, aria de Isabella “Cruda sorte” de la ópera La italiana en Argel

La italiana en Argel, esa sí, es una ópera cómica (opera buffa), con argumento y situaciones muy divertidas. Rossini es uno de los predecesores de la gran ópera Italiana del romanticismo y constituye un referente para tantos y tan destacados sucesores (Bellini, Donizetti, Verdi, Puccini y más). Su estilo es clásico tardío, o romántico temprano, si se quiere, pero su lenguaje es deslumbrante y lleno de vitalidad, verdaderamente inequívoco. Fue tan popular y tan querido, que por épocas sus éxitos alcanzaron a opacar la grandeza de Beethoven, para su mortificación personal. Para recordar otras de sus óperas que nos son más cercanas, están El barbero de Sevilla, Guillermo Tell, La Cenerentola, la Gazza ladra, etc. Esta aria, “Cruda sorte” es una cavatina en la que Isabella se lamenta de su mala suerte. Tiene partes liberadas del yugo del tempo en las que la cantante puede explayarse y mostrar sus habilidades vocales y otras a manera de cavatina, para finalizar en un alegro vistoso de gran vigor.

Haydn, Sinfonía No. 99 en Mib mayor

Como consecuencia de una coyuntura social compleja, porque ya se gestaba en toda Europa el cuestionamiento a los privilegios de la nobleza, la familia Esterhazy, para quienes había trabajado Haydn como Mestro de Capilla durante años, optó por liberarlo de sus responsabilidades con un apoyo pensional suficiente. Así, pudo visitar otras ciudades donde se desarrollaba la gran música del momento. Haydn fue contactado por un empresario inglés para componer y estrenar sinfonías en Londres. Así surgieron sus últimas 12 obras, sinfonías 93-104, sin duda las más ambiciosas, maduras y completas, de tantas que compuso. Esas obras constituyen un legado sobresaliente de Haydn. Aunque todas gozan de enorme popularidad, la Sinfonía 99 es tal vez la menos tocada, lo que resulta siendo una gran injusticia. Tiene su marca personal explícita y goza de una gran vitalidad, como también de gran dulzura y lirismo en el movimiento lento.

Como son casi todas las obras de este género, la Sinfonía 99 tiene cuatro movimientos que contrastan entre sí. El primero, luego de una introducción lenta (Adagio), aparece una sección de movimiento rápido y contundente (Vivace assai) en la que la vitalidad de las ideas es un común denominador. El segundo movimiento es nuevamente lento (Adagio) y se caracteriza por su melodiosidad parsimoniosa y expresiva. Una bella muestra de la enorme capacidad de Haydn de mostrar cuán bella puede ser la imagen del ser interior, íntimo y sensible. El tercer movimiento, un Minueto, danza aún de moda en los grandes bailes, aligera el ambiente y prepara para el final, el cuarto movimiento, que es otra vez rápido y vital (Vivace), escrito en forma de Rondó-sonata. Un verdadero deleite es esta obra en la que resuenan los más altos méritos de este emblema del Clasicismo que es Haydn.